Questa edizione di Intrame si è conclusa. Proveremo a tornare tra un paio di anni, mantenendo il format ma cambiando gli artisti.
Il nostro ultimo grazie è per loro, gli artisti della mostra. Hanno messo a disposizione la loro arte, professionalità ed esperienza oltre a offrirci fiducia incondizionata. Hanno messo a disposizione i loro progetti gettandoli in un pentolone prima ancora che bollisse qualcosa. Hanno rischiato con noi e noi non possiamo che ringraziarli.

Possiamo finalmente affermarlo. In pochissimo tempo siamo riusciti a creare un evento che ci ha messo duramente alla prova ma pienamente soddisfatti.
All’inaugurazione eravate presenti in tantissimi. E’ a tutti voi che va il nostro grazie più grande. Senza il vostro calore e supporto non avremmo generato nulla. Per questo grazie a tutti presenti, in qualsiasi modo e forma.

Le storie di Paolo Polloniato e Alessio Pellicoro sono vicinissime anche se distanti 900 km. Paolo è di Nove, cittadina veneta che vanta una grande tradizione ceramica. Terra bianca e tante fabbriche che nel corso degli anni sono iniziate a diminuire lasciando sul posto scheletri impregnati di storia.
Alessio nasce e vive a Taranto, città che l’industria siderurgica ha fortemente condizionato mentalmente, ecologicamente e urbanisticamente. Sia Paolo che Alessio conoscono bene il territorio d’appartenenza, lo sentono loro, è in parte anche loro. Si interrogano su cosa sia il progresso e su quello che ha lasciato alla loro terra. Sentono il bisogno di documentare la storia, presente e passata, di lasciare una traccia per il futuro.
Paolo inizia giovanissimo, facendo graffiti. La tag POL comincia a comparire nelle periferie e sui muri di fabbriche dismesse della pianura veneta padana. Tra quei muri e Paolo ora c’è POL, ma quei muri non dividono, anzi diventano mezzo per affermare identità, presenza, storia.
Alessio cresce a Taranto e si avvicina alla fotografia intorno ai vent’anni. Cresciuto in una città costretta all’incertezza e al caos si accorge presto delle potenzialità della fotografia. La fotografia può documentare e può analizzare, può essere indagine e ricerca. È equilibrio. Nei suoi scatti le luci danno potere e forza alle ombre, facendone emergere l’anima e il carattere, privandole di quel lato oscuro che spaventa.
Entrambi studiano. POL all’Accademia di Belle arti di Venezia, Alessio allo IED (Istituto Europeo di Design) di Roma.
La loro sperimentazione si affina fino a diventare vera e propria identità.
Quando POL entra in contatto con la ceramica tutto si definisce e prende forma. POL smette di essere una tag sulle pareti di fabbriche e periferie abbandonate per diventare superficie da taggare.
In POL ci sono decori di scheletri che rivendicano la propria dignità. Ci sono stampi in gesso di fabbriche dismesse e scarti d’argilla di botteghe che resistono. Ci sono denuncia e speranza. C’è storia. Quella di POL che non può essere raccontata senza parlare di Nove e quella della ceramica di Nove, e non solo, che non può essere raccontata senza parlare di POL.

Alessio decide di raccontare Taranto in maniera approfondita nel 2017. Sa cosa vuole raccontare e come farlo. È tutto chiaro nella sua mente e diviene magistralmente evidente nei suoi scatti. Le foto de “L’altro deserto rosso” sono chiarezza e ordine in un territorio governato dal caos, sono radiografie attraverso cui analizzare e conoscere quella parte di Taranto che non si vuole vedere per paura o per sdegno. Perché Taranto è anche altro, ma se si osservano attentamente gli scatti di Alessio non possiamo che notare che quell’altro è presente e ricondotto ad una dimensione incredibilmente intima che non vuol dire rassegnazione ma speranza, presa di coscienza e conoscenza.

Per Silvia il cibo è cultura, storia. È attratta dal potere che ha il cibo nel generare tendenze ed è affascinata dai processi che li determinano. La sua ricerca è caratterizzata da opere che stimolano ricordi ma soprattutto invitano alla riflessione. Silvia utilizza un linguaggio pop, facilmente accessibile ma assolutamente non superficiale.
Con lei il mosaico, che siamo abituati a considerare superficie piatta, diventa scultura a 360 gradi. Non è un passato da rivivere nei musei ma presente da incrociare nelle nostre vite. È cibo ma non solo. È quotidianità. Puoi ritrovartelo aprendo il frigo di casa, al supermercato, in spiaggia adagiato su uno dei miliardi di cucchiaini di plastica abbandonati in mare.

Avete mai indossato una maschera? Perché lo avete fatto? Per gioco, paura, sfida o convenzione?
Per sentirvi protetti o per mostrarvi più forti? Per scappare da qualcosa o per raggiungere un obbiettivo?
Ci sono tantissime domande che potremmo porci sulle maschere e darci delle risposte non è semplice. Perché gli esseri umani sin dalle origini hanno fatto ricorso alle maschere per svariati motivi, rituali e idiografici soprattutto.
È in questi due ambiti che trovano spazio e collocazione i lavori e le ricerche di DEM e Ilenia Tesoro.
DEM è simbologia pura. Le sue opere spaziano dalla pittura murale all’illustrazione, dal disegno alla scultura, dalla performance al video. Non ha un mezzo preferito e un materiale predefinito. Tutto è creato in funzione del luogo, della cultura e della storia del posto. Le sue opere sono allegorie, sono un viaggio che va decodificato nella relazione tra passato e presente, uomo e natura. Nessuna sua opera sarà mai fuori luogo perché nasce in funzione di esso, che si tratti di periferia, bosco, grande metropoli o piccolo centro.
Ilenia Tesoro è sentimento. Nei suoi scatti si leggono emozioni espresse in maniera nitida. In uno dei suoi lavori più celebri l’amore è raccontato attraverso l’utilizzo di mani. Luci ed ombre che si sfiorano, si incontrano e si respingono. Come in una danza il sentimento è ricondotto a qualcosa di liberatorio, intimo ma che ha bisogno di essere comunicato. Per questo gli scatti di Ilenia non sono rubati ma neanche costruiti. Nei soggetti rappresentati, infatti, si evince una naturalezza che deriva dalla volontà di raccontare e raccontarsi.
È da queste premesse che dobbiamo partire per comprendere l’importanza e la valenza delle maschere nei lavori di DEM e di Ilenia Tesoro.

Le maschere di DEM nascono dal suo intimo ma rappresentano figure che popolano il nostro inconscio, le nostre case, le nostre campagne. Sono il nostro ricordo, la nostra essenza. Provengono da mondi che non conosciamo ma che riconosciamo. Come maschere arcaiche e tribali hanno funzione rituale e simbolica. Aiutano a conoscere e riconoscere le nostre paure, a sconfiggere incubi e a entrare in contatto con l’essenza dei luoghi e delle persone.

Le maschere indossate dai protagonisti degli scatti di Ilenia hanno un valore idiografico, simile a quello del teatro greco: caratterizzano maggiormente i personaggi e fungono da cassa di risonanza per amplificarne la voce. Negli scatti fatti a Masseria Wave (struttura storica pugliese trasformata in centro culturale con attenzione al mondo queer) i protagonisti posano fieri, indossando maschere che non nascondono persone ma che accentuano personalità, lasciando intravedere sguardi che lanciano provocazioni e non sfide.